木漏れ日のシンフォニー

クラシックコンサートをつくる。つづける。―地域主催者はかく語りき―

平井滿・渡辺和 共著　水曜社

　音楽ジャーナリストの渡辺和さんのブログで、時折、編集過程について紹介されていた本書。長年、地域主催者をなさっている平井滿さんとの共著で、ついに日の目を見たということで早速購入。

BOOKデータベースより＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝＝

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　この本は、例えばオーケストラ事務局や音楽家のマネジメント事務所などの大掛かりな主催者は想定しておらず、地方自治体系列のホールや財団主催の文化事業などの公的資金を使った（意地悪に言えば、資金集めに苦労しない「親方日の丸」の）運営主体も想定していない。

　対象としているのは「地域の民間主催者・サロン・小規模ホール」です。まずは音楽愛好家が集まってコン
サートを主宰する楽友協会的な形態、次に個人がサロンに人を呼ぶような形態で運営しているもの、あるいはごく小規模（１００人前後）の空間でコンサートを開催するライヴハウスのような小規模民間ホール。そして、バブルの荒波を生き抜いた地方の労音組織。

　本書の特徴的な眼差しとして挙げられるのが「つくる。」だけではなく、「つづける。」という視点を重視している、ということ。バブルのころに、地方自治体のあり余る公的資金をバックにした運営主体が、バブル崩壊後に潮を引くように撤退。その間に全国にあった小規模な民間主催者がズダズダにされてしまった。平井さんは、その罪について強く断罪する。
　地域文化を創造していくためには「つづける。」ことも重要。お金があるから始め、資金が続かなくなったらやめちゃう、公共部門がそんな無責任な運営をしてきたこの国の実態。色々考えさせられますね。　

　それと、こうした小規模門間主催者によるコンサートを支えているのは、旺盛な供給側（演奏者側）の欲求。演奏家はどんなに小さな会場でも、自分の音楽に真剣に耳を傾ける熱心な聴衆がいるところで、演奏したいという欲求があること。

　その欲求は、日本を代表するアーティストはもとより、海外の演奏家にもみられるとのこと。「受け手があっての音楽家」という当たり前のことですが、大規模なプロモーションの恩恵に浴することができる音楽家がいる一方で、多くの金銭的な見返りは無いが、自らの演奏を披露する場を求める、こうしたプロの音楽家の欲求が質の高い小規模民間主催者の質の高いプログラムを支えている。

　ちょうど今月、この本で紹介されている、京都の「カフェ・モンタージュ」と倉敷の「大原美術館ギャラリー
コンサート」に行ってきたこともあり、興味深く読みました。『山陽型ノブレス・オブリージュ』として紹介された「くらしきコンサート」や「大原美術館ギャラリーコンサート」を主宰する「三楽」は、クラボウ創始者の大原一族によって運営され、倉敷に所有する土地の地代などが運営費に充てられている、ということは地元では知られていたが、主宰者の大原れいこさんが強調されていたように（！）、クラボウやクラレは一銭のお金も出していないことは初めて知りました（むしろ、ベネッセなどの他の地元企業が支援しているとのこと）。資金面だけではなく、自治体系の主催者との棲み分けなど、これほどご苦労されているんだな、ということを改めて認識したしだい。


　「カフェ・モンタージュ」についての記事も興味深い。あの柱のないライヴ空間は中古物件だったそうで、カフェ＆ライヴ会場になる前は、なんとも京都らしい、ある商売のお店だった、とか、京都在住のチェリストに「東ベルリンの有名な地下の音楽キャバレーのノリが、ここにはある」と言わしめたり、従来の「クラシック音楽が聴けるサロン」のイメージとはかなり異なった、尖った空間について書かれています。

　一般のクラシック音楽ファン向けに書かれた本ではありませんが、小さい会場でのコンサートや室内楽のコンサートなどによく足を運ぶ方なら、興味深い記事ばかりでしょう。絶対に読む価値アリです。巻末に『地方民間主催者・サロン・小規模ホールリスト』が付いているのも魅力です。

大原美術館第１４８回ギャラリーコンサート

ザ・イマイ・ヴィオラ・カルテット

ダウランド（小早川麻美子 編）／もし私の訴えが
野平一郎／シャコンヌ～ヴィオラ四重奏のための（２０００）
　　　　　　　－J.S.バッハの無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第２番による
バルトーク（ルドゥメーニ 編）／トランシルヴァニアの夕べ
バルトーク／４４の二重奏曲から
　～　　休　憩　　～
杉山洋一／ヴィオラ四重奏のための「子供の情景」（原曲：R.シューマン）
　　　　　　　大原美術館委嘱作品　世界初演
ピアソラ（小早川麻美子 編）／「単語の歴史」より売春婦（１９００）・カフェ（１９３０）
　　　　　〃　　　　　　　　　　／エスクアロ（鮫）

ヴィオラ：今井信子
　　〃　：ファイト・ヘルテンシュタイン
　　〃　：ウェンティン・カン
　　〃　：ニアン・リウ

２０１７年９月１６日　大原美術館本館２階ギャラリー



　毎年楽しみにしていたアルト・ドゥ・カンパーニュ（ヴィオラ四重奏団）の岡山公演が、今年は開催されないことに落胆してたが、なんと今井信子さんと若手ヴィオラ奏者で結成された「ザ・イマイ・ヴィオラ・カルテット」が大原美術館に来るということで、楽しみにして足を運びました。

　いつもの事ながら、会場は満員。下手の出入り口付近、モネの睡蓮を横目に見ながら観賞する位置で聴きます。

　オーケストラの楽曲で主に内声を担い、そのオーケストラの音の厚みはヴィオラ・セクションのレベルで決まるとさえ言われる重要なセクション。クラシック音楽ファンならその重要性は理解しつつも、やはり地味な存在と感じてしまうヴィオラ。
　開演に先だって、主催者の大原謙一郎さんが今井さんを紹介する言葉に、「ヴィオラでもリサイタルを開いて聴衆を魅了することが出来る、そのことを証明した第一人者」との紹介があった。

　今井信子の存在感の大きさと心にしみる音は格別。その今井さんの弟子のニアン・リウは力強さとピュアな音に魅力がある。こちらも今井さんの弟子ヘルテンシュタインの明るい響きと技巧の高さ、すでに指導者として名を馳せるウェンティン・カンの安定感と気品のある音。それぞれが特徴を打ち出し、４人の個性が合わさった時の音が本当に心地よかった。ヴィオラの音には人を陶然とさせるものがある、改めてそう感じさせられた。

　悲しみを湛えつつもヴィオラの柔らかいハーモニーを存分に楽しんだダウランドの小作品の後、拍手をする間もなく２曲目のバッハのシャコンヌに突入。この曲でこのカルテットの実力のベールは解かれた。深いボウイングから奏でられる太い音が幾何学的に絡み合い、感情など一切入る余地のない冷静かつ完璧な演奏なのに、聴く者の精神は高揚していく。

　始まって１５分もしないうちにすごい演奏を聞かせてもらった。

　次はバルトークの２曲。特にバルトークの真骨頂である民族音楽をモチーフとした「４４の二重奏曲より」では、こういうサロンコンサートならではの趣向が凝らされ、原型となった民族音楽の演奏とバルトーク自身によるピアノ独奏の音源が披露され、それに続くような形で演奏に入った、会場を満たすロマの響きに導かれ、バルトークがフィールドワークによって集めて回ったいろいろな音楽を追体験するような趣向。基本的には二重奏で演奏され、色々な組み合わせて聴けたのは面白かった。四重奏で演奏される部分での合奏も見事。

　休憩中には「ヴィオラだけの演奏かどうかを抜きにして考えても、これだけのバリエーションのあるコンサートはなかなかないよね」等の周囲の会話に心の中で相槌を打つ。

　次は、杉山洋一さんの作曲による委嘱作品。これは大変な技巧が必要な曲、ではあるんだけれど、遊び心に富んでいて、もう大人になった今ではとらえどころのない子供が見る風景を再現していた。曲の冒頭から終始、時空が曲がるような音に会場からは笑みが漏れるが、４人の奏者はいたって真剣！これほどのハイレベルなヴィオラ奏者４人が、超絶技巧や特殊奏法を駆使して、こんなかわいらしい子供の世界を描く…、これこそアート
なのだと思う。

　最後の２局のピアソラも、圧倒的だった。「タンゴの歴史」の「売春婦」という曲は、「ピアソラの曲にもこんなに快活な曲があるんや」との発見あり。他の曲は独特の哀愁に満ちたリズムに酔いしれた。ピアソラに関しては今井さんが３人の若手・中堅奏者に主導権を任せ、自身もノリノリの演奏を展開。いや、本当にお若いです。

　アンコールにシューベルトの歌曲。編曲はなんとピアニストの北村朋幹さんとのこと。このギャラリーコンサートの常連ピアニストで、ヴィオラカルテットを演奏することを聞きつけて、半ば強引に「先方から楽譜を送ってきた」とのこと。この美術館でのサロンコンサートが触媒になって、色々な音楽家と聴衆が交流し、こうした思わぬ贈り物に接することもある。

　「日本に京都があってよかった」は、京都のキャッチコピーだが、この日の僕の気分は、「僕の住む隣町が倉敷で、そしてそこに大原美術館があってよかった」という思いだった。

京都市交響楽団第６１６回定期演奏会（２日目公演）

武満徹／死と再生
Ｒ．シュトラウス／交響詩「死と変容」
ベルリオーズ／幻想交響曲

指揮：ジョン・アクセルロッド
２０１７年９月３日　京都コンサートホール大ホール

京都市交響楽団第６１６回定期演奏会（１日目公演）

武満徹／死と再生
Ｒ．シュトラウス／交響詩「死と変容」
ベルリオーズ／幻想交響曲

指揮：ジョン・アクセルロッド
コンサートマスター:泉原隆志

２０１７年９月２日　京都コンサートホール大ホール

　京響の感想をここにしたためるたびに、「凄い」「上手い」「文句なし」など、賛辞・美辞麗句を並びたてるんですけど。。

　今日の後半のベルリオーズの演奏の切れ味・隙のなさ・迫力・表現の多彩さ、すべてについて「参りました!」と、言うほかはありません。

　アクセルロッドのスリリングな真剣な挑発に、真剣に「倍返し」をしてみせた、後半の2楽章は圧巻の一言、作曲された時代のファナティックな雰囲気を、そら恐ろしいまでに表現してみせた。

　安らかな牧歌で始まり、これ以上ない緊張感で終わる中間楽章。そして、第二楽章の舞踏会の華やかさや儚さは、木管陣の奮闘が光る。大フィルから移籍した上野さんを含む木管陣は再び磐石の布陣になった。夢のような調和と美、世界を見渡しても、京響の木管はトップクラスだ。ずっとこの調和と美を味わっていたい、そう思わせるものがあった。

　「死と変容」は、変容(浄化)のモチーフが出てくる中盤から最後までは見事な演奏。幻想交響曲でもそうだったが、弦楽器の分厚い響きは、かつての京響のイメージを覆すに充分。ただし、この曲の前半は…。明日の楽しみのために敢えて感想は書かないで置こうと思う。

※９／３追記、意味深な書き方になったが、「死と変容」は特に事故やミスがあったわけでありません（笑）後半に比べて、ちょっと・・・・物足りなかった、というだけです。

9/8追記

　あのコンサートから一週間が経とうとしているが、じっくりＰＣの前で腰を据える時間が取れなかった。それでも、まだ頭の中に鮮明に残っているのは、それだけ素晴らしい演奏に接したということだろう。

　オーケストラの編成は14型、1stVn14→2ndVn12→Vc8→Va10、チェロの後ろにコントラバス。チェロの首席にはN響の藤森さんが座りました。渡辺穰さんがフォアシュピーラーに座ったため、ファーストＶｎのトッププルトは泉原さんとのダブルコンマス。楽団のアクセルロッドさんに対する期待が伺われます。お客さんの入りはう～ん、７割５分といったところでしょうか・・・。

　武満徹の「死と再生」は管楽器を入れない弦楽合奏での演奏。特にヴィオラ・チェロの響きに透明感があり、純水が滴り落ちるような魅力的な音を奏でていた。ハーモニクス奏法なども駆使する、技巧的な側面もある曲だが、京響はまったく安定していた。京響の特質は武満に合っていると思うので、もっと演奏されて欲しいな、と思う。
　アクセルロッドさんのプレトークによると、この曲のナチュラルな、寄せては返す波のような音のダイナミクスは、生命と死の輪廻転生を意味しているとのことだった。決して聞きにくい曲では無いが、この曲全体の意味するところは１日目では理解が出来なかった。最後の解決される和音が印象的。プログラムの１曲目とは思えない盛大なカーテンコールとなった。
　
　２曲目はR.シュトラウスの「死と変容」。この日のプログラムは３曲とも、「生と死」が共通テーマになっている。この「死と変容」の第１の主題がモチーフとなる前半は、病魔に冒された一人の男が夢うつつの中で闘う様を描いている。この前半部分については京響はR.シュトラウスの緻密なオーケストレーションを見事に再現していた。が・・・、プレトークでのアクセルロッドさんの説明から感じられる思い入れ、あるいは実際のタクトに比べて、オーケストラが一種冷めているというか、楽譜の音は確実に捉えて再現性は高いのだろうけれど、言葉は悪いが「無難」に徹したパフォーマンスとの印象を持った。特に木管の切れ味がイマイチで、オーケストラ全体のハーモニーの見通しも(昨今の京響の実力を思うと)、どうにも冴えない印象が残った。
　ところが、魂が浄化されて天に昇る様を描く第２の主題（よくＣＭやＴＶ番組の効果音でよく耳にするモチーフ）が変奏する曲の後半になってくると、音に俄然、艶が出て、浄化のテーマが高らかに演奏された後のゆっくりとした場面では、かなりいい音が鳴るようになった。

　しかし、冒頭でも書いたとおり、この日のハイライトが後半の幻想交響曲だったことに、異論を挟む方はいないだろう。その幻想交響曲。第１楽章の提示部の繰り返しは無かったが、第４楽章は繰り返しあり。第２楽章はコルネット付きで演奏された。
　冒頭からオーケストラの音が違った。フルートに導かれ翳りのある曲想が展開していく冒頭のストリングスの美しさから、「これは相当な名演奏になる」と確信した。「想い人」のテーマが流れて曲調が明るくなってからは、かなりの快速テンポで飛ばした。ストリングスの華やかな輝きが印象に残った（特に、音楽家の恋に高鳴る鼓動を表す部分のストリングスの刻みは、「こんな音がでるんだ」と驚くほどの輝きがあった）が、それにも増して木管の上手さが目立った。フルート首席の上野さんも京響の木管陣の音のテクスチュアにマッチし、柔らかく華やかな音を先導している。
　アクセルロッドの指揮は、流れを重視しつつも、盛り上がるような場面の直前には少しテンポを落としてねっとりと攻めていく。この第１楽章もそうで、最も盛り上がる場面の直前、オーボエがソロを取る部分では、じらすようにねっとりと歌い上げた後徐々に加速。ダイナミクスの抑揚も自然ではあるが大きな起伏を伴って聴く者の期待感を煽った。そして音楽は最高潮に達し、ティンパニも加わっての場面では、宝石箱をひっくり返したよう（月並みな表現やなあ・・・）なトゥッティを、怒濤の勢いで演奏する。ホント、なんども書いて申し訳ないが、京響から、いや、日本のオーケストラからこんな音が出るんだ、この音をどう言葉で表現したらよいのか、ついに僕は見つけることが出来ていない。音は磨きに磨き抜かれ、勢いに任せているようで、実に一音一音に神経が通った緻密な音作りに舌を巻いた。

　アクセルロッドさんは、楽章間の休憩はたっぷり取っていた。それだけオーケストラに負荷がかかっている、と見ることも出来るだろう。
　第二楽章も木管陣が極上のハーモニーを奏でる。こんなに柔らかくも美しい音が出せるんですね。この日の木管の音はこれまで僕が聞いてきた中で（海外のオーケストラも含めて）最高のハーモニーを聞かせてくれたと思う。２台のハープの連携も見事。どちらかが引っ張るわけではなく、両者が拮抗するように見事にシンクロしていた。弦楽器もまけてられへん、とばかりに、この楽章で多用されるトリル・装飾音は匂い立つような華の薫りを漂わせる。あまりにも美しすぎて、これが現実の舞踏会では無く、あくまで夢想・妄想の世界の中であることを饒舌に語っているようにも思える。

　第三楽章は、冒頭はくっきりとした色調で始まった。オーボエのバンダは下手側の３階バルコニー席後ろで演奏。今日（１日目）は上手の３階バルコニーで聴いているので、バンダの演奏者もよく見える。
　ホント木管のことばかり書いてしまうんですが、この楽章の鍵を握るオーボエをはじめ、クリネットのソロといい、フルートのソロといい、そしてハモるところの極上の音といい、本当に素晴らしい。他にもたくさん聴き所があるのに、自分の耳が木管の音を追ってしまう。
　ストリングスの「ザザザッザザザッ」という刻みは、第１楽章の鼓動とは違う。「想い人」と幸せな時間を過ごす男の鼓動と気持ちの高まりだろう。非常にフレッシュな音色を出していた。
　曲の後半に向かうにつれ、徐々に病的なけだるさが充満してきたのもアクセルロッドさんの解釈か。アヘン中毒者が見る夢を描いているようだ。一説によると、この曲の主人公である『音楽家』は、「想い人」をこのあたりで殺してしまったようだ。それが証拠に、イングリッシュホルンの呼びかけに応えるのは、おどろおどろしい雷鳴のみ。そんな情景がくっきりと浮かんでくる演奏。

　第４楽章～第５楽章は、第１、２楽章とは対照的。このシンメトリー構造はマーラーも参考にしたのだろうと思う。両極端な世界を対比的に描くのには格好の構造で、マーラーの５番、この幻想交響曲がそれに成功している。
　この２楽章の京響の演奏は、そら凄い者だった。この曲は非常に演奏効果が上がるため、コンサートでよく取り上げられる曲。僕が初めて生コンサートに行ったときも幻想交響曲だった。しかし、満足させる演奏・・・となると、なかなか難しいのではないか。技術や音量・アンサンブル能力など、オーケストラの総合力が試されるからだろう。
　京響の演奏は、特にこの後半２楽章について、もう言葉にならないような物凄い演奏だった。この曲の持つ悪魔的狂気、この曲を生み出したファナティックな時代の雰囲気、それらがオーケストラに乗り移ったかのような鬼気迫る演奏だった。前半２楽章と第３楽章が、磨き抜かれた美しい音楽を聴かせただけに、京響の表現力の幅の広さに圧倒されまくった。
　第４楽章のギロチンの場面から、醜く質した「想い人」が魔女や妖怪たちに交じって踊る様を描く場面のクラリネットの描写力は見事。ホント、小谷口さんのクラリネットの表現力には毎回魅了される。

　アクセルロッドは、このオーケストラのいい部分を引き出すと同時に、ところどころ挑発的にオーケストラを煽っている部分があって、それが最後の２つの楽章では両者の痺れるような緊張感が見どころの一つだった。京響はアクセルロッドの挑発に『倍返し』で応えたように感じた。最後の部分の追い込みは、基調となるテンポが速かったために、今まで聴いたこの曲のアッチェレランドの中でも最速だったが、まったく瑕疵の無い、完璧なバランスの演奏で応えてしまった。

　アクセルロッドさんは、経歴から逆算すると１９６０年代半ばの生まれということで、５０歳前後の働き盛り。指揮者としては中堅の年齢だが、音に対する感覚は若い世代に近いと感じた。油絵の具を塗りつぶすような音作りを嫌い、大トゥッティの場面でも内声部の動きの可視化をはかり、音楽全体をパースペクティブに見せる音楽づくりだ。
　しかし、彼のすごみ、そして京響の底なしの実力を感じたのは、むしろ２日目の公演だった。それについては、記事を改めようと思う。

 日よけに隠れてしまっているので、今まで気づきませんでしたが、ホールの２階ロビーからは如意が岳（右大文字）が見えるんですね。初秋の空にうかぶ稜線にしばし見とれてしまいました。

カフェ・モンタージュでの１時間

ブラームス／ピアノ四重奏曲第１番

ヴァイオリン：田村安祐美
ヴィオラ：小峰航一
チェロ：佐藤禎
ピアノ：塩見亮

２０１７年９月１日　カフェ・モンタージュ

　会場のカフェ・モンタージュには、カフェ営業の時には行ったことがありましたが、ライブははじめて。

ぎちぎちに詰めても70人ぐらいしか入らない空間に響きいたブラームスのピアノ四重奏の濃密なこと!　まるで音楽が僕の襟首を掴んで、異世界に連れて行かれるような感覚になった。

　コンサートホールで聴く時の音楽を浴びる、という感覚とは全く違う。格闘技のリングサイドかぶり付きで見ている感覚。

　これは、まさにコンサートというより、ライブだ。

　地下鉄丸太町駅から地上に上がると、落ち着いた中京の町家が並ぶ。実はこのあたりは祖父の代まで住んでいた場所。家があった場所が麩屋町二条なので、このカフェモンタージュからは目と鼻の先で、なんとなく親近感がわく。

　角地に建つコンクリート打ちっぱなしの建物には、すでに開演を待つ列が出来ている。ライブスペースは半地下状になっていて、大きな音を出しても近所迷惑にならないような構造になっている。

　チケット代は２０００円。今回は演奏時間は約４５分の曲、１曲勝負。そうだとしても安い。７０人入っても売り上げは１４万円。奏者たちの手元にわたるのはごくわずかだろう。

　今回のメンバーはピアニストの塩見さんに、京響のメンバー3名。塩見さんはブラームスのピアノが含まれる
室内楽曲を少しづつコンプリートしていっている最中とのこと。公演は８／３１日と９／１の２日連続公演。弦楽３名は京響の定期演奏会のリハーサルの真っ最中の時期の筈（じっさい、３名とも本番にも乗ってらっしゃった）。なんとタフなことか。

　ピアノ四重奏の編成は、ヴィオラが内声をやるだけでなく、ヴァイオリンを受けて丁々発止のやり取りを受けて立つ場面が多い。いわば弦楽四重奏でいうと第２ヴァイオリンとヴィオラの役目、両方担う感じ。

　その小峰さんのヴィオラの存在感がハンパ無い。ここ数年、室内楽の生コンサートを聴いて、ヴィオラ奏者のレベルの高さが、満足度に比例するとの実感があり、この日はいう事の無いバランスだった。　この曲、第１楽章の冒頭で示されるモチーフは、決して馴染みやすくはない。どこか落ち着きどころのない雰囲気が漂っていて、無調音楽の世界を切り開いたシェーンベルクが偏愛したというのもなんとなく得心がいく。
　でも、流石にブラームス、曲が展開するにつれ、ロマンティックでメランコリックな世界が目くるめくように展開する。

　冒頭にも書いた通り、小さい空間に響くプロの本気の演奏にはガツン！とやられた感じ。19世紀にもこんな感じの小さい空間で数十人の人々が大いに楽しんだことだろう。

　室内楽の新たな世界に触れた一夜だった。

古代オリエント 『カミとヒトのものがたり』　岡山市立オリエント美術館

美術館ホームページから
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　科学が発達する以前、人びとは世界のはじまりや成り立ちを理解するために神々の存在に思い至り、神々と人間が織りなす物語によって説明しようとしてきました。これを私たちは神話と呼んでいます。現代にまで伝わる古代神話は今でも魅力的です。実際、私たちが親しんでいる現代の小説や映画などにも古代神話とよく似たストーリーのものも多く見られます。古代世界においても現代社会においても神話や物語は、エンターテインメントでもあり、社会的知識や道徳を共有するためのものでもあったと考えることもできます。
　本展では、ギリシア・ローマからエジプト、メソポタミア、インド、中国、日本にまで至る広大なオリエント世界の神話や物語を、そこに登場する神々や物語の一場面を表現した工芸作品などを展観しながら紹介します。物語を楽しみながら、私たちの暮らしや社会における神話の意味・役割についても改めて考えてみたいと思います。

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　普段は西暦順あるいは王朝順に展示を見ていく形が多いですが、今回の展示は「神話ごとの展示」になっていました。陸と海のシルクロード上にあるギリシア・ローマ→エジプト→メソポタミア→南アジア→中国、そして日本の神話にまつわす遺物・美術品が展示されます。

　自覚したのは、自分が古代神話についてあまりにも「無知」だということ、ギリシア神話については（趣味のクラシック音楽の理解のために）多少の知識はあったが、エジプトはアモン＝ラーとラー＝アトムの違いも解らなかったし、メソポタミアやインドの神々については固有名詞としてしか知らない。

　自己弁護（笑）ではないか、よほどの教養人でもない限り、これら古代文明の神話について理解できている人はいないのではないかと思う。

　西暦別や王朝別の展示であれば、頭の中の年表を広げて理屈で理解しようとし、人々の生活や権力者の統治の過程で生まれ・作り出され・語り継がれた「神話」について、これほどじっくりと考えなかっただろう。

　会場には夏休みの宿題にしようという子供たちが多かった。一つ一つの神話については子供の方が砂に浸み込む水のように吸収がはやいでしょうね。

（後日、感想は追記するかも・・・・です）

日本センチュリー交響楽団 いずみホール定期演奏会 No.36 ハイドンマラソン

ハイドン／交響曲第６０番ハ長調「うっかり者」
ディッタースドルフ／コントラバス協奏曲第１番変ホ長調
ハイドン／交響曲第５４番ト長調
　〃　　／交響曲第７８番ハ短調

指揮：飯森範親
コントラバス独奏：村田和幸
コンサートマスター:松浦奈々

2017年8月11日　いずみホール

  僕にとっては半年ぶりのハイドンマラソン参加で、これが4回目。今日も1曲めから、「いや～、やっぱセンチュリー、上手いわ～」と唸ってしまう。

  まず、その音がいい!これぞ洗練の極み。弦のしなやかなハーモニーもさることながら(第二ヴァイオリンの水準は国内随一じゃないかしら)、ホルン・トランペットや木管陣の通奏される合いの手が惚れ惚れする。

  あと、何気に凄いと思うのが、ハイドンの104曲からなるシンフォニーのキャラクターを明確に描き分けていこうとしている。この4回で聞いた12曲のシンフォニーはどれも印象に残っている。

  生演奏で大いに驚嘆しても、録音を聴いてみると「あれ？」ということはままあるが、既に出ているセンチュリーの録音を聴く限り、驚異的な精度とクオリティ、瑞々しさは録音でも水準を超えています。もし飯森&センチュリー響でハイドン交響曲全集を完成させることが出来たら、クオリティにおいて、フィッシャーやドラティの全集を凌駕するものができると思う。今回ももちろんマイクが立っていた。

(詳細な感想は後日)

　楽器配置は、前半が1stVn:6ーVc:3ーVa:4ー2ndVn:6の対向配置で、コントラバスは1stVnとVcの後ろに2本、上手に配されたティンパニと対を成す位置に置かれています。ティンパニのマレットはやや硬質な音ではあるが、フェルトはついているものを使用。
　後半に入ると1stVn:8ーVc:4ーVa:5ー2ndVn:8とコントラバス3本に増強されていました。

　１曲目の交響曲第６０番「うっかり者」。「うつけ者」や「うすのろ」といういい方もあるようです（笑）この曲が関西で演奏されるのは、広上さんがまだ京響のシェフに就任する前に、大フィルを指揮して以来だと思う。僕が初めてＣＤで聴いたのは７，８年前の事だろうか、ハイドンらしい軽妙洒脱な音楽が続いていると、突如、演奏が止まり、思わずソファから飛び上がって「なんだなんだ？」と思っているとチューニングが始まって、元の演奏に戻る、という仕掛けに驚き、『これ、実演で聴けないかな・・・』と思っていた。
　今回、ようやく念願（？）が叶ったわけであるが、「うっかり者」の仕掛け以上に、楽曲そのものも魅力的。プログラムにもあったとおり、「疾風怒濤期」の次の年代の楽曲ですが、第１楽章のアダージョのあと、あるいは第４楽章、最終楽章の疾走感はハイドンのシンフォニーの醍醐味が詰まっている。それに加えて第５楽章の澄み切った、そして（特に第５楽章など）メランコリックさも内包していて、おそらくこうした作風はモーツァルトなどにも影響を与えたのだろう。
 心が洗われるようなこの第５楽章のあとに、例の「うっかり」の仕掛けが際立つ。アダム・フィッシャー＆オーストリア・ハンガリー・ハイドン管との録音は、チューニング前の音は、それほど露骨にピッチが外れた演奏では無かったが、今回のセンチュリーの演奏は、かなり派手にピッチをわざと外して、飯森さんと楽団員さんの小芝居も堂に行ったものだった。マイクが立っているので皆笑いをこらえようとしていたが、飯森さんが客席に振り向いたのを合図に、みな堪えていた笑いを解放した。このあたり、ＳＡＣＤでどのように仕上げて来るのか、演奏とはまた別の楽しみも出来ました。
　
　２曲目はディッタースドルフのコントラバス協奏曲第１番、団内ソリストとして、首席コントラバス奏者の村田さんが登壇。村田さんは、広響でも団員ソリストとして協奏曲の舞台に立っていたのだが、僕は広響時代にはそのソリストとしての実力を耳にすることは無かった。
　今回、ソロを聴いた感想は、「この村田さんを逃した広響は、非常に痛いなあ」というもの。センチュリー往年の名物奏者だった奥田さんのような圧倒的な力感で引っ張るというタイプではないが、素性のいい上品なソロ演奏（それでいてよく楽器が鳴ること！）は、センチュリーのカラーにこの上なく合っています。
　この曲、ＮＭＬで事前に２回ほど聴いていた（エデン・ラーチのソロで、アムステルダム・フランツ・リスト室内管弦楽団の録音）のだが、聴きやすいメロディーが続くものの、なにか引っ掛かりがなくて、２回とも居眠りをしてしまう体たらく。しかし、生演奏で聴くといい曲ですねぇ。音源で聴いた印象よりも技巧が要求されるし、ときおり用いられるハーモニクス奏法に、「コントラバスってこんな音もだせるんや！」という貴重な経験もあり。
　白眉だったのは第２楽章、村田さんのソロはもちろん　センチュリーの伴奏が美しすぎて・・・夢見心地の中に響くコントラバスの低音のゆったりとしたソロに魅了されました。正直、この曲でこんなに幸せな気持ちにさせてくれるとは思ってなかったです。

　この日のプログラムは、かなり分量にボリュームがあり（じっさい、終演時間は２１：１５になった）、「巻き」が入っていたのか（笑）休憩も１０分ほどで予鈴代わりのオルガンの放送が入る。
　５４番は、まさに疾風怒濤期の曲。序奏の後の主題も魅力的で、疾走するような弦の刻み、ホルンやトランペットの勇壮な咆哮、後期の交響曲に勝るとも劣らない傑作です。この曲の特長の一つは、（この時代にしては）長大な第２楽章。よくよく聴いてみると、この楽章なんてロマン派の雰囲気を湛えているように思う。シューマンのアダージョ楽章を聴いているような耽美的な音楽に深く沈んでいく。センチュリーのノンヴィヴラートがこれまた美しいんですよ。このハイドンマラソンではモダン奏法とピリオド奏法を融合させて、人間の五感が最も気持ちの良いポイントを突いているような絶妙のバランスを感じます。弦４部の首席同士の掛け合いも見事！
　第４楽章は前述のアダム・フィッシャーの演奏よりも、より突っ込んだ快速テンポで進めていくが、センチュリーの音はいっそう輝きを増していく。

　最後の７８番は、１０４曲中１０曲しかないという短調で始まる交響曲。この曲はハイドンらしいかっちりとした形式感の中にも波がひいては返すようなダイナミクスと、短調から快活な長調への場面転換のコントラストが見事。冒頭にも書いたが、飯森さん＆センチュリーのハイドン、１曲１曲のキャラクターの違いを、見事に描きわけている。僕は本の５年前まで「ハイドンのシンフォニーって同んなじような曲が多いなあ」と思っていたのだから、このシリーズに何回か参加したことは、僕のクラシック音楽鑑賞人生にとっては、本当に貴重で重要な経験になった。
　センチュリー響の響きはいっそう輝きを増して、僕の脳をマッサージしてくれているような感覚になる。ホンマに気持ち、エエーんですよ！この感覚はこのセンチュリーのハイドンでしか味わえない。　

　客席の雰囲気もよかった！ブラボーがまるで歌舞伎の屋号の掛け声（「松島屋～」「音羽屋～」みたいな）のように絶妙のタイミング。で堂にいった玄人のブラボーがかかる。大阪の目利きという目利き達が、このセンチュリーのハイドンの価値を認めて、集まって来ている感じがある。その一方で、今回はお盆休みということもあってか、若い聴衆も多かった。当日券を買い求める列が長く伸びていて、９５％ぐらいの埋まり具合。

　この６型～８型の編成では、西日本ではセンチュリーがいちばんなのは間違いないが、東京でもこのクオリティを出せるオーケストラは少ないのでは？ノンヴィヴラート奏法のクオリティーも高い。もしセンチュリー響が東京にあったら毎回、満席に近い動員をたたき出すだろう。でも、やはり西日本の拠点である大阪に、今後もずっと居てほしいオーケストラ。これからも出来る限り聴きに行きます。

　当日、大阪に向かう新幹線が、名古屋での豪雨の影響で立ち往生。３０分ほど遅れて新大阪に到着したため、ゆっくり食事をとる時間が無くなってしまいました。「まあ、ホールで軽食でもとるかな…」と思って大阪城公園駅を降りたら、お店など何も無いと思っていた公園入口に大きな「ＪＯ－ＴＥＲＲＡＣＥ］なる施設が出来ていて、たこ焼きを食べることが出来ました。


　史跡公園にカフェなどの施設を設置するのは全国的なトレンドになってるんですね、岡山の石山公園も、これほどの規模は無理にしても、市民が憩える施設になればいいですね。

アンサンブル・レ・ペッシュ　郷土岡山が生んだ４人のオーボエ奏者による珠玉のアンサンブル

ヘンデル／オラトリオ『ソロモン』より「シバの女王の入城」
ヴラニツキ／２本のオーボエとイングリッシュホルンのための三重奏曲ハ長調
ヴィラ＝ロボス／オーボエとファゴットのための二重奏曲
　～　休　憩　～
モーツァルト／ディベルティメント第８番
ムソルグスキー／組曲『展覧会の絵』

板谷 由起子（広島交響楽団首席）
津上 順子（瀬戸フィルハーモニー交響楽団）
沼 佳名子（岡山フィルハーモニック管弦楽団）
近藤那々子（フランクフルト歌劇場管弦楽団首席）
児玉 光生（ファゴット、南西ドイツフィルハーモニー）

２０１７年７月２１日　ルネスホール

　会場は満員でした。勉強のために聴きに来た高校生たちが座る座席が無く、地べたに座らされているほどの満員。
先日の岡山フィルと言い、岡山のクラシック音楽界、盛り上がって来てます。

　それもこれも、このオーボエ４本＋ファゴトット１本のアンサンブルのハイレベルなのを皆さんご存知だからだろう。

　 １曲目のハイドンから、この５名の抜群のアンサンブルに夢見心地にさせられます。２曲目のヴィラニツキはモーツァルトの親友とのこと、作風はバロックの雰囲気を残しつつも典型的な古典派の作風で、聴きやすいうえになかなかの佳曲。この曲は板谷さん、津上さん、沼さんの瀬戸内海を挟んだ３つのオーケストラの奏者の共演となりましたが、長く仕事を一緒にしている仲間のように息がぴったり合っていて、特に和音の響きに魅了されました。
　３曲目のヴィラ＝ロボスは、ドイツで活躍する２名による二重奏。２つの楽器が独立して動く場面が多く、丁々発止の掛け合いあり、超絶技巧ありの難曲の筈ですが、この２人にかかれば軽々と演奏してしまう。

　後半に入って会場はびっしり満員。モーツァルトのディベルティメントの和音も本当に心地よい、モーツァルト独特のメロディー末尾の洒落たトリルをサラッと演奏してしまうところがカッコイイ。
　そして最後は木管の室内楽としては大曲の「展覧会の絵」。ムソルグスキーのピアノ曲というよりも、ラベルのオーケストラ編曲版をベースにしているように思いますが、オーボエ、オーボエ・ダ・モーレ、イングリシュホルン、ファゴットだけで、これほどの色彩を生み出せるのか！と驚愕することしきり。
　印象に残ったのは、オーボエ・ダ・モーレ、イングリッシュホルン、ファゴットだけで演奏された「古城」のメランコリックな空気、そして近藤さんの技巧が光った「殻付きのひなの踊り」や「リモージュの市場」、あのラベルの編曲版の色彩がオーボエ属だけで見事に表現。コンサートとして大変満足度が高いばかりか、希少な経験をさせていただきました。
　次回も管弦楽曲ベースの曲を、敢えてのオーボエ属・ファゴットのみの演奏で聴きたいですね。

　アンコールに、津上さんのご子息の真音さんの編曲によるリベルタンゴ、次回は真音さん作曲の楽曲もプログラムに載せるそうで、これも楽しみです。